Жанры сонатно симфонического цикла
Сонатно-симфонический цикл — циклическая музыкальная форма произведения, принадлежащего к одному из жанров (симфония, концерт, соната, трио, квартет, квинтет и т. д.), в которых принято хотя бы одну из частей (чаще всего — первую) излагать в сонатной форме.От сюитного цикла (сюиты) отличается бо́льшей значительностью содержания и единой линией развития, а также бо́льшей упорядоченностью строения цикла (прежде всего — в количестве частей и их последовательности).
Сонатно-симфонический цикл является наиболее крупной циклической формой среди чисто инструментальных форм. При этом он обладает большой гибкостью: в форме сонатно-симфонического цикла могут быть написаны как большие (в том числе — огромные по масштабу и времени звучания), так и небольшие, как в жанре симфонии, так и камерно-музыкальные произведения.
Характеристики форм[править | править код]
В музыке венских классиков (Гайдна, Моцарта, Бетховена) закрепились и стали «нормативными»
Трёхчастный цикл[править | править код]
- в сонате,
- в концерте для солиста (солистов) с оркестром,
- в камерной музыке с участием фортепиано
в классических симфониях трёхчастный цикл встречается реже и он характерен, в основном, для более ранней итальянской школы — см. некоторые симфонии Гайдна и Моцарта ранних периодов творчества
Четырёхчастный цикл[править | править код]
- в симфонии (со времён К.Ф.Э. Баха и Гайдна),
- в камерной музыке без участия фортепиано (прежде всего — в квартетах, квинтетах и т. п.).
В некоторых сонатах Гайдна, Моцарта четырёхчастный цикл может состоять и из двух частей.[уточнить] (Например сонаты для скрипки и фортепиано Моцарта K 301-305.)
У Бетховена структура начинает «размываться»[уточнить]. Например, четырёхчастное строение ряда его сонат (фортепианных, скрипичных, виолончельных) или фортепианных трио становится нормой наряду с трёхчастностью. То же самое — у Шуберта. А у романтиков, писавших камерную и фортепианную музыку (Мендельсон, Шуман, Шопен, Брамс, Дворжак и др.), четырёхчастность сонатного цикла становится, скорее, нормой, чем исключением: таким образом, по количеству частей камерная музыка становится у них «на один ряд» с симфонией.
Особый случай — произведения, относящиеся к жанру серенады или дивертисмента (для оркестрового или для камерного состава) — исходно «развлекательному» и происходящему из старинной сюиты. Они сохраняют общий костяк сонатно-симфонического цикла и тоже включают в себя, как минимум, одну часть в сонатной форме (чаще всего — первую), но количество частей в них может быть гораздо больше (и 5, и даже 9!), в основном — за счёт дополнительных частей танцевального характера (например, в серенадах и дивертисментах Гайдна, Моцарта, Брамса). Это же относится и к произведениям камерной музыки, сохраняющим внешние признаки этого жанра, — как, например:
- Моцарт — Струнное трио (Дивертисмент) KV 563 (6 частей),
- Бетховен — Струнное трио ор. 3 (6 частей), Септет ор. 20 (6 частей),
- Шуберт — Фортепианный квинтет DV 667 («Форель») (5 частей), Октет DV 803 (6 частей),
- Берг — Лирическая сюита для струнного квартета.
Уже Бетховен не раз отклонялся от классического стандарта в своих произведениях — особенно в поздних. Среди его музыки встречаются и двухчастные циклы (Фортепианные сонаты № 19, 20, 22, 24, 27, 32), и многочастные. В последних фортепианных сонатах и струнных квартетах Бетховена речь идёт о строго индивидуальных драматургических решениях. Его многочастные поздние квартеты лишь отдалённо — «рудиментарно» — напоминают собой старинные «дивертисментные» формы:
- Струнный квартет № 13 (6 частей),
- Струнный квартет № 14 (7 частей, следующих друг за другом без перерыва),
- Струнный квартет № 15 (5 частей).
(Такие решения цикла в поздних квартетах Бетховена оказали впоследствии влияние и на струнные квартеты композиторов XX века — прежде всего, Берга и Шостаковича.)
В произведениях композиторов более поздней эпохи усиливается тенденция к индивидуальным драматургическим решениям цикла — поэтому выбор количества частей также представляет собой сознательное отклонение от былого стандарта. Это могут быть:
- две части:
- Скрябин — Соната для фортепиано № 2 (Соната-фантазия),
- Малер — Симфония № 8,
- Прокофьев — Симфония № 2;
- Антон Веберн — Симфония op. 21,
- Берг — Струнный квартет op. 3;
- три части:
- Берлиоз — Траурно-триумфальная симфония,
- Франк — Симфония d-moll,
- Сибелиус — Симфонии № 3, № 5,
- Рахманинов — Симфония № 3,
- Прокофьев — Симфония № 6,
- Шостакович — Симфонии № 4, № 6;
- пять частей:
- Бетховен — Симфония № 6 «Пасторальная»,
- Берлиоз — Фантастическая симфония,
- Чайковский — Симфония № 3,
- Малер — Симфонии № 2, № 5, № 7,
- Шостакович — Симфонии № 8, № 9, № 13,
- Барток — Концерт для оркестра;
- шесть частей:
- Малер — Симфония № 3,
- Скрябин — Симфония № 1;
- семь частей:
- Берлиоз — Симфония «Ромео и Джульетта»,
- бывают совершенно уникальные случаи:
- Мессиан — Симфония «Турангалила» (в 10 частях),
- Шостакович — Симфония № 14 (в 11 частях; по сути, это произведение — кантата для солистов и камерного оркестра и в нём ни разу не встречается сонатная форма).
Иногда композиторы указывают на объединение нескольких частей большого произведения в более крупные разделы (своего рода «части более высокого порядка»):
- Берлиоз — Симфония «Ромео и Джульетта» (7 частей, объединённых автором в 3 больших раздела),
- Малер — Симфония № 5 (5 частей, объединённых автором в 3 больших раздела).
В ряде случаев наличие подобных «больших разделов» не объявляется композитором, но подразумевается в силу очевидного естественного членения многочастного произведения на несколько более крупных «блоков» («фаз развития»):
- Бетховен — Симфония № 6 «Пасторальная» (5 частей: 1 подвижная + 1 медленная + 3 последующие, идущие друг за другом без перерыва),
- Симфония № 8 (5 частей: 1 большая + 1 менее крупная посредине + 3 последующие, идущие без перерыва),
- Чайковский — Симфония № 4 (4 части: 1 большая + 3 менее крупных),
- Малер — Симфония № 3 (6 частей: 1 большая + 5 менее крупных).
Композиторы издавна также пользовались приёмом перехода от одной части к другой без перерыва (attacca) — при этом «прилегающая» часть может быть «разомкнутой», как бы «не доведённой до конца» (приём, известный ещё из концертов и увертюр времён барокко).
В XVIII веке им нередко пользуется Карл Филипп Эммануил Бах в своих инструментальных произведениях (переход от медленной второй части к быстрому финалу).
Вслед за К.Ф.Э. Бахом к этому приёму неоднократно прибегает Гайдн.
У Бетховена подобная «двух-с-половиной-частность» (благодаря которой весь цикл разделяется на две более крупные фазы — см. выше) становится излюбленной формой в целом ряде произведений:
- Концерты для фортепиано с оркестром № 4, № 5,
- Концерт для скрипки с оркестром,
- Сонаты для фортепиано № 21 («Вальдштейновская», она же «Аврора»), № 23 («Аппассионата») и др.
Есть у Бетховена и другие способы стирания границ между частями. (Например — между двумя средними частями 4-частного цикла: Соната для скрипки и фортепиано № 10).
Особый новаторский приём Бетховена — стирание границ между частями в симфониях:
- в Симфонии № 5 (4-частной) третья часть переходит в четвёртую без перерыва,
- в Симфонии № 6 (5-частной) без перерыва сменяют друг друга три последние части.
Впоследствии этим приёмом композиторы начинают пользоваться всё более и более индивидуально, и потому у них становятся возможными самые разные драматургические комбинации.
Ещё один интересный пример:lkmpoj[iophugtrfe4tw3rterfyui9o0-p[
- Чайковский — Фортепианное трио «Памяти великого художника».
Здесь — тоже своего рода «двух-с-половиной-частность», только иная, чем у Бетховена: вторая часть по протяжённости приблизительно равна первой части в сонатной форме и написана в форме вариаций, из которых в конце как бы «вытекает» последняя быстрая вариация-финал и следующее за ней медленное заключение-кода, возвращающая музыку и настроение первой части.)
У композиторов-романтиков формируется также тенденция к следованию всех частей цикла друг за другом без перерыва, иногда с перемежающими их небольшими интермедиями-связками (например, у Мендельсона в «Шотландской» симфонии или в Концерте для скрипки с оркестром).
Отчасти и под влиянием «свободной» формы фантазии (известной ещё со времён раннего барокко) формируется также особый тип сонатно-циклической формы, где все части или разделы переплетены между собой самыми разными, порой весьма причудливыми способами в единое целое. Примеры:
- Бетховен — Опус 27: Сонаты для фортепиано № 13 и № 14 («Лунная») (обе — Сонаты-фантазии),
- Шуман — Фантазия для фортепиано.
Формируется особый тип одночастного произведения, воспроизводящего внутри себя общие очертания и элементы сонатного цикла, слитые в единую форму. Чаще всего это — фантазии (сонаты-фантазии) или одночастные концерты («концертино», «концертштюки»):
- Карл Мария фон Вебер — Концертштюки (для фортепиано с оркестром, для кларнета с оркестром),
- Шуберт — Концертштюк для скрипки с оркестром, Фантазия для фортепиано DV 760 («Скиталец»), Фантазия для скрипки и фортепиано DV 934,
- Лист — Концерт для фортепиано с оркестром № 1 и № 2,
- Прокофьев — Концерт для фортепиано с оркестром № 1.
У Листа (в том числе под влиянием Фортепианной фантазии Шуберта) формируется особый тип одночастной крупной формы — «сонатно-поэмная», к которой относятся многие его известные произведения: Соната для фортепиано h-moll, Соната-фантазия «После чтения Данте», многие его симфонические поэмы (жанр, созданный Листом) — «Прелюды», «Тассо» и др. Идею симфонической поэмы переняли у Листа также Рихард Штраус (симфонические поэмы — в том числе «Дон Жуан», «Альпийская симфония»), Скрябин (Поэма экстаза, Поэма огня «Прометей») и многие другие композиторы позднеромантической эпохи.
В конце концов, на рубеже XIX и XX веков утверждается тип одночастной сонаты или симфонии:
- Берг — Соната для фортепиано,
- Скрябин — Сонаты для фортепиано № 4-10 (Соната № 4 формально разделена на две части, следующие друг за другом без перерыва, но фактически это — разделы одной единой части),
- Прокофьев — Сонаты для фортепиано № 1, № 3,
- Шостакович — Соната для фортепиано № 1, Симфонии № 2, № 3,
- Сибелиус — Симфония № 7,
- Мясковский — Симфония № 27,
- Валентин Сильвестров — Симфонии № 1-7 (в свободной форме),
но такая форма уже не является сонатно-симфоническим циклом.
Темповое соотношение части[править | править код]
Темповое (и жанровое) соотношение частей достаточно свободно, но всегда подчиняется определённой логике чередования медленных и подвижных частей (без такой логики нарушится единство цикла).
Наиболее разнообразен в жанровом отношении четырёхчастный цикл. В нормативном четырёхчастном цикле присутствуют следующие жанровые аспекты:
- Напряжённо-действенный (1-я часть в сонатной форме)
- Лирический (вторая, медленная часть)
- Танцевальный (менуэт или скерцо)
- Обобщенно-жанровый (подвижный финал[1]).
В трёхчастном цикле при сохранении функций крайних частей средняя обычно медленная, реже — менуэт или скерцо.
В двухчастном цикле соотношение частей может быть любым.
Тональное соотношение частей[править | править код]
Тональное соотношение частей подчинено идее тонального единства цикла. Крайние части всегда написаны в главной тональности, либо последняя — в одноименной главной (особенно, если первая часть написана в минорной тональности). Исключения единичны[2], тональная разомкнутость цикла приближает его к сюите.
При этом между крайними частями, по крайней мере, одна часть написана в иной тональности. Это делается и для усиления контраста, и ради более явного утверждения главной тональности в последней части. Нормой является новая тональность в медленной части (часто — тональность субдоминанты, хотя соотношение может быть любым), скерцо, если оно есть, в большинстве случаев возвращает в основную тональность.
Форма частей[править | править код]
Форма частей цикла может быть весьма разнообразной, но, так как форма той или иной части сильно связана с жанром этой части (а жанровые функции частей имеют свои нормативные соотношения, см. выше), существуют некоторые устоявшиеся формы.
Наиболее стабильны формы первой части (сонатная форма) и скерцо или менуэта (сложная трёхчастная). Гораздо менее стабильна форма финала (наиболее употребимые формы: большое рондо и его разновидности, рондо-соната, вариации), наибольшую свободу допускает медленная часть (здесь наиболее типично малое рондо, но нередки другие формы рондо, сложная трёхчастная форма, вариации, сонатная форма).
Однако существует множество нетипичных случаев. Например, первая часть может быть написана в форме вариаций (Бетховен. Соната для фортепиано № 12), скерцо — в форме рондо (Глазунов. Симфония № 5), финал в форме фуги (Бетховен. Соната для фортепиано № 29). В крайне редких случаях сонатно-симфонический цикл может вообще не содержать сонатной формы (Моцарт ― Соната A-dur).
Единство цикла[править | править код]
При таких разных и контрастных частях единству цикла способствуют тональные, жанровые соотношения, соподчиненность частей, формальная дифференциация.
Также ради укрепления единства цикла нередко встречается перенесение темы (тем) первой части в финал (например, фортепианный концерт Скрябина), даже звучание тем всех частей в финале (Симфонии № 9 Бетховена), либо применение сквозного мотива, проводимого во всех частях цикла (Берлиоз ― Фантастическая симфония, «Гарольд в Италии», Чайковский ― «Манфред», Пятая симфония).
Примечания[править | править код]
- ↑ Финалом (итал. finale) называется последняя часть цикла из 3-х и более частей.
- ↑ Например, тональности частей Девятой симфонии Малера: 1. Ре мажор, 2. До мажор, 3. Ля минор, 4. Ре-бемоль мажор.
Литература[править | править код]
- Кюрегян Т. Форма в музыке XVII—XX веков.— М., 1998. ISBN 5-89144-068-7
Источник
04.02.2019 Петр Мамонтов Музыка
Сонатно-симфонический цикл — сложная форма, состоящая из многих частей. Она давно известна, и остается актуальной для сочинения музыкальных произведений до сих пор. Жанры сонатно-симфонического цикла применяются для написания сонат, инструментальных ансамблей (квартет, трио, квинтет) и концертов, а также симфоний. Становление современного вида этой формы произошло еще в начале XVIII века, а зарождение еще раньше.
Строение классического сонатно-симфонического цикла произошло во времена творения таких авторов, как В. А. Моцарт и Й. Гайдн. Отдельно следует выделить Бетховена, ведь он стал основоположником симфонии, написав 104 музыкальных произведения в этом жанре. Все эти музыканты относятся к венской школе. А теперь необходимо разобраться, какие жанры имеют форму сонатно-симфонического цикла.
Жанры
Такая музыкальная форма в виде цикла относится к одному из следующих видов:
- Симфония.
- Соната.
- Концерт.
- Инструментальный ансамбль.
Классический сонатно-симфонический цикл
Характерные черты:
- Гомофонно — гармонический склад (это значит, что один из голосов является мелодией, а другие вторят, подчиняются ему. Этому термину обычно противопоставляют полифонию – многоголосие).
- Темы внутри каждой части контрастны (не считая старинных форм).
- Цельное развитие.
- Все части имеют индивидуальное содержание, форму и скорость (темп).
- Каждая часть сменяется контрастной.
Строение
А теперь стоит подробнее остановиться на строении сонатно-симфонического цикла.
Прежде всего, каждая партия в нем имеет определенную тональность, настроение и темп. Итак, сколько частей в сонатно-симфоническом цикле? Расположение составляющих не случайно и имеет важное значение. Классификация М. Г. Арановского, российского музыковеда, дает следующий порядок:
- 1 часть «Человек действующий»;
- 2 часть «Человек размышляющий»;
- 3 часть «Человек играющий»;
- 4 часть «Человек в обществе».
Сонатная форма
Как говорилось выше, обычно единственная часть (в большинстве случаев первая) создается в форме сонаты – высшей музыкальной форме, по мнению большинства музыкантов, ведь именно она позволяет автору описать сложные жизненные ситуации, события. Если говорить о том, какая часть сонатно-симфонического цикла является определяющей, то, скорее всего, это будет непосредственно часть, написанная в сонатной форме.
Говоря о сонате, можно провести аналогию с драмой. Это литературные произведения, предназначенные для театральной постановки. Строится она по следующему принципу:
- завязка (знакомство с героями, зарождение основного конфликта) ;
- развитие (события, которые более глубоко раскрывают личности героев, изменяют их) ;
- развязка (разрешение главного конфликта, результат, к которому приходят герои).
Сонатная форма, от которой напрямую зависит строение сонатно-симфонического цикла, состоит из:
- экспозиции – изложение основных тем музыкального произведения;
- разработки – развитие уже знакомых тем, их изменение;
- репризы – возвращение изначальных тем в измененном виде.
Состав и применение сонатной формы
Сфера использования:
- Первая часть или финал концертов, сонат и симфоний.
- Симфоническая пьеса или увертюра.
- Хоровые произведения, хотя такое происходит довольно редко.
А теперь конкретно рассмотрим, из каких частей состоит сонатная форма.
- Экспозиция. Главная партия (основная линия, пишется обычно в основной тональности). Связующая (призвана соединить главную и побочную партии, обеспечить переход из одной тональности в другую). Побочная партия (тема, которая противопоставляется главной, пишется обычно в тональности V ступени – доминанты тональности главной партии для мажора и III ступени для минора) ; Заключительная (завершающая часть экспозиции, обычно закрепляет тональность побочной партии. При этом стоит отметить, что заключительная и связующая партии медленной части сонатно-симфонического цикла не являются самостоятельными, основаны на музыкальном материале главной и побочной тем и не влияют на развитие идеи. Это закономерность, а не строгое правило, может варьироваться в зависимости от желания автора. Ведь для композитора главное – передать суть содержания, а не соблюсти все тональные и тактовые закономерности. Например, это касается творчества В. А. Моцарта (сонаты №11 и №14).
- Разработка. В этой части произведение может развиваться по нескольким сценариям. Использование только главной и побочной партий для достижения художественных задач не всегда позволяет сделать соблюсти все музыкальные нормы. В качестве примера музыкальных произведений с наиболее простой разработкой можно назвать Й. Гайдна (соната №37), С. С. Прокофьева (симфония №1). Иногда вступление в произведении сонатной формы играет особенную роль. Оно контролирует скорость развития (Л. Бетховен, симфония №5, соната №8; Франц Шуберт, симфония №8). Сонаты ХХ века имеют активное развитие тем в разработке (С. С. Прокофьев, соната №2; Н. К. Метнер «Соната-фантазия»). Концепция автора может подразумевать следующие варианты развития: будущее развитие главной и побочной партий; возникновение новой темы; созревание связующей и заключительной партий.
- Реприза. Задача этой части – вернуться к темам экспозиции, преобразовав тональность побочной темы в основную, а не доминантовую. Здесь также возможны отклонения. Реприза может продолжить развитие средней части или же появиться на пике кульминации. Например, как в симфонии №4 П. И. Чайковского.
Также есть музыкальные произведения в сонатной форме, которые не заканчиваются на репризе, а имеют дополнительную часть под названием «кода». Это итоговый раздел, который звучит после репризы. Помогает дополнить или расширить структуру формы. Может содержать в себе общие темы или только одну, которой композитор по важности в драматургии отвел первое место (И. Брамс, рапсодия си минор; В. А. Моцарт, соната №14).
Анализируя сонатную форму, важно определить основные темы и тональности, в которых они написаны. А также постараться выявить закономерности появлений таких партий и замысел их взаимодействия в произведении.
Интересно отметить, что сочиняется сонатная форма обычно для сольного инструмента.
Симфония и симфонический оркестр
Изначально словом «симфония» обозначали любое звуковое сочетание. Позже этот термин трансформировался в понятие «увертюра» — вступление к опере, к оркестровой сюите.
Лишь к началу XVIII века симфония превратилась в самостоятельное концертное произведение из четырех частей, предназначенное для исполнения симфоническим оркестром. По своему содержанию симфония обычно рисует картину мира. Все части имеют свой индивидуальный образ, смысловое значение, а также форму и темп. В целом каждую из частей можно охарактеризовать примерно так:
- Эта часть наиболее насыщена событиями, которые происходят в жизни какого-либо человека. Пишется в форме сонаты, отличается быстрым темпом. Первую часть симфонического произведения принято именовать «сонатное allegro».
- Представляет собой уединение человека с самим собой, его углубление в себя, размышление о смысле жизни, лирическое отступление в общей идее музыкального произведения. Характеризуется медленным темпом в трехчастной или вариационной форме.
- В контрасте со второй частью, показывает не внутренние переживания героя, а окружающую его жизнь. Чтобы наиболее ярко описать ее, композиторы в основном использовали менуэт, а позже появилась такая форма, как скерцо, для которого характерны подвижный темп в сложной трехчастной форме с трио в середине партии.
- Итоговая часть, финал. В ней обобщается смысловое содержание всей симфонии. Очень часто композиторы основывают ее на народных мотивах в быстром темпе. Отличает эту часть сонатная форма, рондо или рондо-соната.
Безусловно, что у каждого композитора свое видение картины мира, что делает музыкальные произведения по-настоящему уникальными. Если кратко говорить о сонатно-симфоническом цикле, для каждого из них присущ свой тип и особенности.
Состав симфонического оркестра
Как говорилось выше, симфонии пишутся в основном для исполнения большим оркестром смешанного состава. Такой оркестр называется «симфонический». В него входят 4 группы инструментов:
- Ударные (литавры, тарелки). Самая обширная группа, применяется для создания глобальности произведения, увеличению звучности.
- Деревянные духовые (флейта, гобой, кларнет, фагот).
- Духовые (труба, туба, тромбон, валторна). С помощью приема «tutti», то есть совместной игры, дополняют музыкальное произведение своим мощным звучанием.
- Струнно-смычковые (скрипка, альт, виолончель, контрабас). Инструменты этой группы обычно играют главную роль, ведут тему.
Иногда используются как солирующие инструменты, но чаще вторят партии струнных, дополняют ее.
При необходимости в состав добавляют отдельные инструменты: арфу, орган, фортепиано, челесту, клавесин. В малом составе симфонический оркестр может включать в себя не более 50 исполнителей, тогда как в большой оркестр может входить до 110 музыкантов.
Малые симфонические оркестры чаще можно встретить в небольших городах, так как для исполнения большей части классической музыки их использование нецелесообразно. Чаще они исполняют камерную музыку и музыку ранних эпох, для которых характерно наличие небольшого количества инструментов.
Для обозначения размеров оркестра очень часто используют понятие «двойные» и «тройные». Такое название происходит от количества используемых духовых инструментов (пары флейт, гобоев, валторн и др.). В четверном и пятерном составе добавляют альтовую флейту, пикколо, валторновые трубы, басовые тубы, чимбассо.
Иные формы
Кроме исполнения части сонатно — симфонического цикла симфоническим оркестром, симфонии могут быть написаны для духового, струнного, камерного оркестра. Причем дополнительно могут добавлять хор или отдельные партии.
Помимо симфонии, есть и другие разновидности жанра. Например, симфония – концерт, для которого характерно исполнение произведения оркестром с одним солирующим инструментом. А если количество соло увеличивается (от 2 до 9 в разных случаях), то такой поджанр называется «концертная симфония».
Все эти разновидности похожи по своему строению.
Также симфонией называют произведения для хора (хоровая симфония) и инструментов (например, органа или фортепиано).
Симфония может преобразовываться в иные, смешанные произведения с помощью других музыкальных жанров. А именно:
- симфония – фантазия;
- симфония – сюита:
- симфония – поэма;
- симфония – кантата.
Трехчастная форма
Какие жанры имеют форму сонатно-симфонического цикла? К ним также относится и трехчастная форма. Эта разновидность, в свою очередь, подразделяется на несколько типов:
- Простая. Простая трехчастная форма состоит из нескольких разделов: a – b –a. a – первая часть, которая показывает основную тему в форме периода. b – средний раздел, в котором происходит развитие заявленной темы или появление новой, похожей на нее. c – третья часть, музыка которой повторяет первый раздел. Это повторение может быть точным, сокращенным или с некоторыми изменениями.
- Сложная трехчастная форма: A – B – A. A – сочиняется в простой форме, которая может состоять из тех или двух частей (ab или aba). B — средняя часть представляет собой трио. A – реприза, которая может точно повторять первую партию, быть измененной или динамической.
Становление
Изменение сонатно-симфонического цикла происходило поэтапно. Музыканты из Италии и Германии сыграли в этом немаловажную роль. К ним относятся:
- Арканджело Корелли.
- Антонио Вивальдии.
- Доменико Скарлатти. Его кончерти гросси, сонаты соло и трио постепенно сформировали особенности сонатно-симфонического цикла.
Помимо венской школы, немаловажную роль сыграли композиторы мангеймской школы:
- Святослав Рихтер.
- Карл Каннабих.
- Карл Филипп Стамиц.
В это время строение сонатно-симфонического цикла базировалось на четырех разделах. Затем появилась новая разновидность классического оркестра.
Все эти моменты подготовили возникновение классического сонатно-симфонического цикла в творчестве Й. Гайдна. Его конкретные характерные особенности перешли из старинной сонаты, но появились и новые черты.
Гайдн
Всего этим композитором было написано 104 симфонии. Первое музыкальное произведение в этом жанре он создал в 1759 году, а заключительное – в 1795-м.
По творчеству можно проследить эволюцию сонатно-симфонического цикла Гайдна. Начиная с образцов бытовой и камерной музыки, он продвинулся до Парижской и Лондонской симфоний.
Парижские симфонии
Это цикл произведений с классическим (парным) составом оркестра. Композиция отличается медленным вступлением с последующим контрастным развитием.
Симфоническому стилю Й. Гайдна в целом свойственно возрастание образной контрастности, индивидуальности содержания.
«6 Парижских симфоний» были созданы в 80-е годы XVIII века. Большинство названий симфонических произведений этого композитора связаны с обстоятельствами, при которых были написаны или исполнены.
Лондонские симфонии
Цикл из 12 произведений по праву считается одним из высших творений данного композитора. Лондонские симфонии имеют особенную живость и жизнерадостность, не отягощены серьезными проблемами, ведь главной задачей автора было заинтересовать искушенного слушателя.
Парный оркестровый состав уравновешивает звучание струнных и деревянных духовых инструментов. Это способствует гармоничному и стройному облику симфонии. Гайдновские симфонии направлены на слушателя и создают ощущение открытости. Немаловажное значение в этом имеет использование композитором песенных и танцевальных, а также бытовых мотивов, которые часто были заимствованы из народного творчества. Их простота, вплетенная в сложную систему симфонического развития, приобретает новые динамические и образные возможности.
Классический состав оркестра, который включает в себя все пять группы музыкальных инструментов, установился в симфоническом творчестве Й. Гайдна в более позднем периоде. В этих симфониях самые разные стороны жизни представлены в едином уравновешенном виде. Это касается лирико-философских размышлений, серьезных драматических событий и юмористических ситуаций, если обобщить и говорить кратко.
Сонатно-симфонический цикл Й. Гайдна содержит 3, 4 или 5 частей. Иногда композитор менял привычную расположенность партий, для того чтобы создать особое настроение. Импровизационные моменты его произведений позволяют легко воспринять даже самые масштабные и серьезные инструментальные жанры.
Автор: Анна Мурдасова
Источник: fb.ru
Источник